7 queere Künstler, die 2018 das Spiel verändern

Der Berg queerer Kunst des letzten Jahres war ein Glücksfall für diejenigen von uns, die von der ewigen politischen Zwangslage von 2017 verärgert waren. Wie hätten wir das überleben können ohne den beispiellosen Aufbau der LGBTQ+-Kultur, ohne Filme wie Rufen Sie mich bei Ihrem Namen an und Musik wie St. Vincent Masseduktion das entweder über die Politik hinausging oder das Gespräch verlagerte? Auch die bildende Kunst hatte ein besonders starkes Jahr und zeigte alles aus gestrickte Oden von lesbischen Van-Communities bis hin zu trans-Protestkunst in Urin getränkt .



Die schiere Menge und Qualität der queeren Kunst, die 2017 gezeigt wird, bedeutet, dass 2018 eine ausgesprochen mamahaftere Angelegenheit wird. Dennoch ist für einige Künstler ein rauschendes neues Jahr zu erwarten. Diese Versammlung ist eine Mischung aus alten und neuen Gesichtern; Leute, die wir erwarten und Leute, die du nie kommen sehen würdest:

Paul Mpagi Sepuya



Ein Kunstwerk mit Bildern von schwarzen und weißen Körpern und pastellfarbener Kleidung.

Paul Mpagi Sepuya, „Mirror Study (0X5A0487), 2017, Pigmentdruck aus dem Archiv, 34 x 51 Zoll, 5. Auflage, aus dem Projekt „Figures, Grounds, and Studies“, Courtesy the Artist, Document Gallery Chicago und Yancey Richardson Gallery New York.



Wenn die Außenseiter des letzten Jahres wirklich die diesjährigen Champions sind, dann ist Paul Mpagi Sepuya gespannt auf das neue Jahr. 2017 sorgte dieser in Los Angeles lebende Künstler mit einer beeindruckenden Einzelausstellung bei Yancey Richardson in Chelsea in New York für Furore, dazu kamen Aufnahmen in Gruppenausstellungen bei der Spring/Break Art Show und dem Blockbuster des New Museum Auslöser: Geschlecht als Werkzeug und Waffe Ausstellung. Sepuya wird dieses Jahr damit beginnen, Arbeiten in der lang gefeierten Jahresausstellung des MoMA zu präsentieren, Neue Fotografie . Er wird auch neue Arbeiten in der Show des ICA Philadelphia über queeres digitales Leben haben, genannt Tag: Vorschläge zu Queer Play und dem Weg nach vorn , die am 2. Februar eröffnet wird.

Was die Fotografie dieser Künstlerin so erfrischend macht, ist ihre zarte Auseinandersetzung mit Blick und Sinnlichkeit. Sepuyas Arbeiten kreisen oft um Themen der queeren Community und den Blick der Kamera. Historisch gesehen gräbt er einige unbequeme Wahrheiten darüber aus, wie die Fotografie queere Körper – insbesondere schwarze, queere Körper – durch das Schneiden und Würfeln von redaktionellen Techniken verstümmelt hat. Aus diesen Fragmenten verleiht Sepuya seinen Sujets und Selbstporträts Kraft. Die illusorische Tiefe seiner Fotografien verschwört sich mit der zentral platzierten Kamera, um die unsichtbare Machtdynamik hinter jeder Fotografie deutlich zu machen.

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Mickalene Thomas

Ein Gemälde von drei schwarzen Frauen mit Strasssteinen, Acryl und Emaille auf Holzplatte.



Mickalene Thomas, „The Luncheon on the Grass: The Three Black Women“, 2010, Strasssteine, Acryl und Emaille auf Holzplatte, 120 x 288 Zoll, 304,8 x 731,5 cm. Mit freundlicher Genehmigung von Mickalene Thomas

Mickalene Thomas, wohl eine der führenden Künstlerinnen von heute, hebt sich durch ihre Fähigkeit, das Erbe des Dadaismus als schwarze lesbische Frau zu besitzen, von der Masse ab. Sie integriert Elemente der Abstraktion und Collage mit einem Interesse an Textilien und Texturen. Opulente Stoffe, Glitzer, Strass und Farbe umgeben typischerweise die Motive ihrer Arbeit. Durch die Kombination solch unwahrscheinlicher Elemente schwelgt Thomas im „zu viel“, wenn sie argumentiert, dass Materialität einen Platz in der Schaffung und Stärkung von Identität hat.

Obwohl in der Kunstwelt ziemlich etabliert, ist dies das Jahr, in dem Mickalene Thomas landesweit unterwegs ist. Ende 2017 gründete Thomas a dampfendes Plakat zur Unterstützung der Sensibilisierungskampagne für Bürgerrechte der ACLU. In diesem Jahr wird Thomas in zwei großen Ausstellungen im ganzen Land vertreten sein. Im Seattle Art Museum macht sie Schlagzeilen Geschichte ergründen neben Robert Colescott und Kerry James Marshall. Die Ausstellung konzentriert die Erfahrung und Perspektive von Schwarzen innerhalb einer Kunstgeschichte, die People of Color so oft ignoriert. Unten in Alabama erscheint die Arbeit von Thomas in Schönheit in der afroamerikanischen Kultur posieren , die bis zum 4. März läuft.

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David Wojnarowicz

Ein Schwarz-Weiß-Porträt – ohne Titel – eines Jungen, umgeben von Text.

David Wojnarowicz, Ohne Titel (One day this kid . . .), 1990. Photostat, 30 × 40 1/8 Zoll (76,2 × 101,9 cm). Ausgabe von 10. Whitney Museum of American Art, New York; Ankauf aus Mitteln des Print Committee 2002.183. Mit freundlicher Genehmigung von The Estate of David Wojnarowicz und P.P.O.W Gallery, New York, NY.



Seit Jahrzehnten versuchen Historiker, mit der Aids-Krise der 1980er Jahre als mobilisierender und dezimierender Kraft innerhalb der schwulen Community zu rechnen. Mit exponentiell zunehmender Häufigkeit verweisen sie auf das Werk von David Wojnarowicz, einem leidenschaftlich politischen und sehr persönlichen Künstler, der die Epidemie miterlebte und 1992 daran starb Position innerhalb der Geschichte der queeren Kunst bleibt etwas schwer fassbar.

Am 13. Juli wird das Whitney Museum seine Türen öffnen langersehnte Retrospektive der Arbeit des Künstlers. Mit Geschick als Grafikdesigner und einem Auge für queere literarische Referenzen geht Wojnarowicz an die Grenze der queeren Ästhetik; er mischt das sexuell reißerische mit dem politisch Aktiven, das Komische mit dem Beißenden.

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Zanele Muholi

Ein krasses Schwarz-Weiß-Foto einer schwarzen Frau mit weißen Streifen auf ihrem Körper.

Zanele Muholi, aus der Serie Somnyama Ngonyama, 2015. Pigmentdruck aus dem Archiv. Zanele Muholi, mit freundlicher Genehmigung des Künstlers, Yancey Richardson, New York, und Stevenson Cape Town / Johannesburg.

In Südafrika kommt es angesichts zunehmender Ungleichheit und sozialer Unruhen nach der Apartheid weiterhin zu weit verbreiteten Bürgerrechtsprotesten. Dieser Widerstand wird von einer Generation von Aktivisten und Künstlern vorangetrieben, die ein gerechteres Land für Schwarze und arme Menschen anstreben. Zanele Muholi ist eine wichtige Vertreterin dieser Bewegung und wirft ihre ergreifende queere Porträtfotografie als Symbol für die angegriffene LGBTQ+-Bevölkerung Südafrikas ins Getümmel. (In ihrer Freizeit hat sie auch das Forum of Empowerment of Women und Inkanyisa mitbegründet, eine Plattform für queeren und visuellen Aktivismus.) Als schwarze lesbische Frau hat Muholi bösartige gezielte Angriffe auf ihre Person und ihre Arbeit erlebt. In einem Land, in dem Ehrenmorde und korrektive Vergewaltigungen von Lesben eine echte Bedrohung darstellen, weiß Muholi, dass viele der von ihr fotografierten Frauen getötet wurden. Das Risiko, das wir eingehen, besteht täglich, sagte Muholi in einem Interview mit The Guardian, einfach leben und darüber nachdenken, was passieren könnte, nicht nur mit Ihnen, sondern auch mit Ihren Mitaktivisten und Freunden, die ihr Leben leben.

Die Auseinandersetzung mit Rassismus, Gewalt und Ausgrenzung ist ein gefährlicher Job, aber Muholi hat nicht vor, in absehbarer Zeit in Rente zu gehen. Im April 2018 wird sie veröffentlichen Zanele Muholi: Somnyama Ngonyama, Heil der dunklen Löwin , ein Buch mit Selbstporträts, die das Politische persönlich machen, indem sie das schwarze Gesicht als Ort der Identifikation, des Verhörs und letztendlich der Menschlichkeit priorisieren.

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dale lewis

Ein buntes Gemälde von vielen Menschen, die auf dem Gras sitzen.

Dale Lewis, „Special K“, 2017, Öl, Acryl und Sprühfarbe auf Leinwand, 200 x 400 cm. Urheberrecht Dale Lewis. Mit freundlicher Genehmigung von Edel Assanti. Installationsbilder von Will Amlot

Es gibt heute nur noch wenige figurative Maler, die einen so konzentrierten Blick verlangen wie Dale Lewis. Seine massiven, rauen, oft unfertigen Leinwände ziehen den Betrachter in eine Mischung aus Szenen aus dem täglichen Leben. Geburtstagsfeiern. Familienessen. Schwule Orgien. Es ist alles hier. Was Lewis’ Arbeit so faszinierend macht, ist seine Hingabe an die Ängste des öffentlichen Lebens. Straßenszenen werden grausam, wenn auch urkomisch. Sie finden anthropomorphe Tiere, die mit Menschen Händchen halten. Frau verteilt sich über Esstische, während ekelhafte Männer sie belehren. Eine andere Szene: Go-Go-Tänzer, die für eine Menschenmenge twerken. (Der heißt Kirche .)

Unter der Respektlosigkeit und kompositorischen Komplexität von Lewis‘ Werk verbirgt sich etwas Komplexeres: eine Suche nach britischer Identität. Das Vereinigte Königreich sucht nach seinem widersprüchlichen Brexit-Votum im Juni 2016 immer noch nach sich selbst. Lewis 'Leinwände sind eine Erkundung der multikulturellen Zusammensetzung Londons, die sowohl mit den Freuden als auch mit den Ängsten des weißen britischen Lebens spielt. Und Lewis startet dieses Jahr stark nach einem extrem arbeitsreichen Jahr 2017. Im Januar wird seine Einzelausstellung in London eröffnet Edel Assanti Galerie.

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Lola Blitz

Zwei Dunkelkammer-Prozessfotografien nebeneinander. Einer von einer Person, die auf der Motorhaube eines Autos liegt, der andere von zwei hemdlosen Männern...

Links: Lola Flash, Bacchanal, ca. 1991, farbübergreifende Serie, Originalfoto aus der Dunkelkammer. Rechts, Lola Flash, K steht für KKK, farbübergreifende Serie, Originalfoto aus der Dunkelkammer, 1993.

Die treffend benannte Fotografin Lola Flash dokumentiert seit über 30 Jahren die Veränderungen in der queeren Kultur und präsentiert a Rückblick ihrer Arbeit in der Pen + Brush Gallery in Manhattan ab dem 25. Januar.

Zu Beginn ihrer Karriere in den 1980er Jahren dokumentieren viele der frühen Fotografien von Flash Anti-Reagan-Aids-Proteste in New York. Dennoch geht ihre Arbeit tiefer; Schnell bilden diese Bilder eine Kritik an schwulen weißen Cis-Männern, die die dauerhaften Privilegien ihrer Hautfarbe nicht begreifen. (Siehe Acid Trippy Negativ K (1989) mit zwei muskulösen weißen Männern in knapper Unterwäsche und Ku-Klux-Klan-Masken.) Im weiteren Verlauf ihres Werks konzentriert sich Flash darauf, normalisierte und unterdrückende Standards von Geschlecht, Alter und Rasse zu stören. Die Porträtmalerei umfasst Bilder von queeren Avantgarde-Trendsettern, eleganten älteren Frauen und alltäglichen Trans-Folk.

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David Hockney

Ein Gemälde von zwei Männern, die nebeneinander auf Stühlen sitzen. Dahinter ist ein blaues Fenster, vor ihnen ein Tisch mit einem...

David Hockney. Brite, geb. Bradford, 1937 Christopher Isherwood und Don Bachardy , 1968, Acryl auf Leinwand, 83 7/16 Zoll × 9 Fuß 11 1/2 Zoll (212 × 303,5 cm), Privatsammlung, SL.16.2017.29.1

Hockney, der bereits am Firmament moderner Meister verankert ist, erlebt mit einer Reise eine späte Karriere-Renaissance beruflicher Rückblick das derzeit bis zum 25. Februar in den gepriesenen Galerien des Metropolitan Museum zu sehen ist. Die Ausstellung des achtzigjährigen Malers, der für seine liebevollen Darstellungen des queeren häuslichen Lebens bekannt ist, erinnert die Betrachter daran, dass Queerness ebenso sanft wie radikal sein kann. Die Geschichte ist wichtig, und die frühesten Arbeiten von Hockney stammen aus einer Zeit, als Homosexualität sowohl in den Vereinigten Staaten als auch in Großbritannien, der Heimat des Künstlers, noch kriminalisiert wurde. Unabhängig davon hat Hockney die schwule Liebe von Beginn seiner Karriere an dargestellt. Sehen Wir zwei Jungen klammern uns zusammen (1961), ein abstrakter, chaotischer Liebesbrief an schwule Berührungen und queere Offenbarungen.

Das Alte ist wieder neu. Selbst mit einem so gestapelten Portfolio könnte der Künstler 2018 seinen größten Schritt machen. In seiner Retrospektive stellt Hockney einige super-neue Arbeiten aus, die zeigen, was der Künstler für 2018 auf Lager hat. Am auffälligsten ist A Größerer Innenraum mit blauer Terrasse und Garten . Hockney, der erst letztes Jahr fertig gestellt wurde, hat zwei Ecken von der Unterseite seiner Leinwand abgeschnitten, wodurch sich die Illusion von Raum verziehen und über das Gemälde schlängeln und den Betrachter in seine Landschaft verwickeln kann. Solche Innovationen mögen ihre Wurzeln in Wandmalereien der italienischen Renaissance haben, aber Hockney ist einer der wenigen zeitgenössischen Künstler, der diesen Perspektivwechsel mit solch ästhetischem Elan wiederbelebt.

Zachary Small ist ein Schriftsteller, der derzeit zwischen New York und London lebt. Frühere Features, Essays und Rezensionen sind in erschienen The Financial Times, Artforum, Art in America, Artsy, BOMB Magazine, und hyperallergisch, unter anderen.