Demi Lovato, Basside, SOPHIE: 7 beste neue Songs von queeren Künstlern

Offene LGBTQ+-Künstler veröffentlichen tonnenweise großartige Musik, jetzt mehr denn je. Um Ihnen bei diesem extrem guten Problem zu helfen, Ihnen. wählt an jedem New Music Friday die besten Songs aus, die von queeren Musikern veröffentlicht wurden. Diese Woche stellen wir Tracks von Demi Lovato, Shea Diamond, Basside, Jayli Wolf, Meet Me @ the Altar, Chloe Moriondo und Speaker Music vor. Schauen Sie sie sich unten an und sehen Sie sich frühere Musikzusammenfassungen an Hier .


Demi Lovato: Tanzen mit dem Teufel



Die mehrfach mit Platin ausgezeichnete Singer-Songwriterin und Schauspielerin Demi Lovato veröffentlicht ihr neues Album, Tanz mit dem Teufel … Die Kunst des Neuanfangs , heute. Das Projekt teilt einen Namen mit Lovato’s YouTube-Dokumentation , das die Ereignisse aufzeichnet, die zu ihrer fast tödlichen Überdosis im Jahr 2018 führten. Der Titeltrack der LP ist eine verletzliche Illustration dieses Kampfes gegen den Drogenmissbrauch. Sie beginnt mit Lovatos ominösem Gesang über der absteigenden Melodie eines Keyboards und singt: Just a little red wine, I’ll be fine. Es ist ein sanfter Abstieg, der sich im Verlauf des nächsten Verses schnell als rutschiger Abhang herausstellt: Aber bald ist diese kleine weiße Linie ein kleines Glasrohr. Lovatos kühle, ruhige Intonationen jeder Strophe brechen unerwartet in den gefühlvollen Gürtel des Refrains über einem Klirren von Hörnern ein – ähnlich wie die oft unvorhersehbare Art und Weise, in der sich Drogenmissbrauch drehen kann. Es wird jedoch deutlich, dass dieses Crescendo des Chaos nicht mehr die Kapitulation symbolisiert; vielmehr übernimmt Lovato die Zügel zurück. Lovato nutzt ihre Stärke, ihr Talent und ihr Geschichtenerzählen, um ihre Erzählung zurückzugewinnen, und macht es wirklich zu einer Kunst, neu anzufangen. In dieser Runde spielt sie nicht mehr mit dem Feind. Sie spielt nach ihren eigenen Regeln.

– Emma Carey



Inhalt

Dieser Inhalt kann auch auf der Website angezeigt werden stammt von.

Shea Diamond: Präsenz einer Legende



Presence of a Legend, der neue Track der Sängerin und Transgender-Befürworterin Shea Diamond, ist eine Hommage an alle LGBTQ+-Führungskräfte, die den Weg für moderne queere Rechte geebnet haben. Der erhebende Soul-Song ist der Originaltrack zum neuen Dokumentarfilm der Filmemacherin Luchina Fisher. Mama Gloria , die die Geschichte von Gloria Allen erzählt, der 75-jährigen schwarzen Transgender-Ikone, die seit den 1960er Jahren eine Säule in Chicago ist. Auf der Strecke zieht Diamond eine direkte Linie zwischen ihr und dem Erbe der Vergangenheit von Transaktivisten und behauptet, ein Gefühl queerer Abstammung zu haben. Wenn sie also mit dem Refrain „Stand up!/“ beginnt, ist es, als kanalisiere Diamond die kollektive Kraft ihrer Transcestoren.

– Michelle Kim

Inhalt

Dieser Inhalt kann auch auf der Website angezeigt werden stammt von.

Bass: NYC2MIA (SOPHIE REMIX)



Basside, das Bass-Duo aus Miami, bestehend aus den besten Freundinnen aus Kindertagen, Que Linda und Caro Loka, enthüllen ihr lang erwartetes Album FICK ES AUF EP heute, vollständig von der produziert verstorbene Produzentin SOPHIE . Die Tracks wurden 2016 erstellt, und obwohl die Songs nie offiziell veröffentlicht wurden, haben sich viele von ihnen zu Fanfavoriten entwickelt, nachdem sie in DJ-Sets von SOPHIE und anderen PC Music-Partnern gespielt wurden. Der herausragende Track NYC2MIA ist ein Partysong, der einem Intercity-Lifestyle gewidmet ist, während Basside den Refrain über SOPHIES schwankender, metallischer Drum-Produktion wiederholt, die die leichtfertige Energie des Duos nur stärkt. New York to Miami/No bras, no panties, sie singen mit einer augenzwinkernden Frechheit und sorgen für eine No-Fucks-give-Hymne für den Sommer.

— MK

Inhalt

Dieser Inhalt kann auch auf der Website angezeigt werden stammt von.

Jayli Wolf: Kind der Regierung

Die indigene Singer-Songwriterin, Aktivistin und Filmemacherin Jayli Wolf teilt vor ihrer bevorstehenden autobiografischen EP den Song „Child of the Government“. Die Single, begleitet von einem Kurzfilm unter der Regie von Wolf, ist eine viszerale Abrechnung und Aufarbeitung des von Wolf verursachten generationsbedingten Traumas Scoop der Sechziger , einem Zeitraum von vier Jahrzehnten, in dem die kanadische Regierung und die katholische Kirche mehr als 20.000 First Nation-, Métis- und Inuit-Kinder aus ihren Familien entführten und in nicht-indigene Gemeinschaften oder Familien vertrieben. (Wolfs eigener Vater war eines dieser Kinder.) Wie Wolf im Video erklärt, erlitten viele dieser Opfer neben der Auslöschung ihrer kulturellen Identität auch schweren Missbrauch.

In dem Film erzählt Wolf diese Gräueltaten der Zeitgeschichte über Blitze erschreckender Schwarz-Weiß-Szenen, die Entführung, Indoktrination und Gewalt darstellen. Über einem gleichmäßigen Trommelschlag und schneidenden elektronischen Percussions werden ihre Worte oft von einem tieferen, verzerrten Echo begleitet. Diese Begleitung wird manchmal unleserlich und bedeutet vielleicht die Stimmen ihrer Vorfahren und Verwandten, die zum Schweigen gebracht wurden, die Geschichten, die niemals gehört werden. In einer wiederkehrenden Szene besucht Wolf einen großen Baum, von dessen Ästen Blut auf sie tropft. Das Blut meines Vaters ist meins, sie singt, Seine Geschichte schlägt in mir. Am Ende des Films steht sie aufrecht vor diesem Baum, während ihre Botschaft widerhallt. Und jetzt teile ich es hier mit euch.



— CE

Inhalt

Dieser Inhalt kann auch auf der Website angezeigt werden stammt von.

Meet Me @ the Altar: Hit Like a Girl

Es gibt einen Grund, warum sich „Hit Like a Girl“ von „Meet Me @ the Altar“ wie eine Gruppenhymne anfühlt, und das liegt nicht nur daran, dass nach jedem Refrain eine Menge schreit. Als das junge Pop-Punk-Trio einen Song für den Women’s History Month veröffentlichen wollte, ließen sie sich von ihren Social-Media-Followern inspirieren und baten die Fans, Posts und Nachrichten zu teilen, in denen sie beschreiben, was es für sie bedeutet, eine Frau zu sein. Das Ergebnis ist Hit Like a Girl, ein rasanter Schlachtruf für Einheit und Selbstbestimmung. Sängerin Edith Johnson führt den Track über die Riffs der Gitarristin Téa Campbell und die ausgelassenen Percussions der Schlagzeugerin Ada Juarez und erhebt sich in Slogans wie Revolt! Sich weigern! das kann man sich leicht vorstellen, wenn die Fans mitschreien. Der Track packt einen Hauch von Nostalgie, erinnert an einen Paramore-Hit aus den mittleren Jahren und baut gleichzeitig eine Vision einer besseren Zukunft auf. Nimm meine Hand, winkt Johnson, jetzt ist die Gelegenheit.

— CE

Inhalt

Dieser Inhalt kann auch auf der Website angezeigt werden stammt von.

Chloe Moriondo: Ich esse Jungs

Vor der Mai-Veröffentlichung ihres Major-Label-Debütalbums Blutiger Hase , Chloe Moriondo teilt den neuen Song I Eat Boys, zusammen mit einem Musikvideo, das von dem queeren Kultklassiker inspiriert ist Jennifers Körper . Die Single ist zu gleichen Teilen Zucker und Würze, mit einem fast kaugummiartigen Pop-Beat, der die Zuhörer in die täuschend dunkle Handlung des Tracks lockt. Das Video stellt sich Moriondo als einen schwertschwingenden, jungentötenden Bürgerwehrmann vor, während sie Zeilen wie „Schau mich nicht so an, Augen auf dem Bürgersteig, mit einem augenzwinkernden, blutigen Grinsen“ liefern. Mit cleverer Lyrik im Kern stellt der Track Erzählungen über geschlechtsspezifische Gewalt auf den Kopf, während Moriondo eine Gruppe von Straßenbelästigern verfolgt und tötet. So verdreht die Fantasie einigen auch erscheinen mag, Moriondo erobert ihre Macht in diesem Bereich zurück: „Du kannst mich nicht kontrollieren“, singen sie, „weil ich diese Geschichte geschrieben habe“.

— CE

Inhalt

Dieser Inhalt kann auch auf der Website angezeigt werden stammt von.

Sprechermusik: Hi-Tech Blues und Trap

Speaker Music ist das musikalische Projekt von DeForrest Brown, Jr., einem Theoretiker, Schriftsteller und Vertreter der Machen Sie Techno wieder schwarz Kampagne, die an einem kommenden Techno-Geschichtsbuch arbeitet, Aufbau einer schwarzen Gegenkultur . Letzte Woche veröffentlichte der Musiker eine neue EP namens Seelenschaffende Theodizee , das er als Beispiel für eine sich entwickelnde gestische Praxis des elektronischen Schlagzeugspiels beschreibt, inspiriert von Perkussionisten von einflussreichen Jazz-Schlagzeugern wie Rashied Ali und Max Roach bis hin zum Trap-Beat-Zauberer Metro Boomin aus Atlanta und dem Chicagoer House-Produzenten Steve Pointdexter. Brown überbrückt diese Einflüsse alle zusammen auf Hi-Tech Blues and Trap, einem experimentellen Techno-Track, der live mit einem haptischen Synthesizer aufgenommen wurde – einem, der menschliche Berührungen oder Gesten verwendet, um elektronische Sounds zu programmieren und zu spielen. Indem er den hektischen, improvisatorischen Stil des Free-Jazz-Drummings in ein digitales Feld übersetzt, setzt Brown seinen fort Mission eine historische Linie der Musik, die von schwarzen Amerikanern geschaffen wurde, grafisch darzustellen und ihre technologischen Innovationen zu dokumentieren.

— MK

Inhalt

Dieser Inhalt kann auch auf der Website angezeigt werden stammt von.