Für Bad Binch TONGTONG ist Mode Poesie

Designer Terrence Zhou über die Inspiration hinter seinen gewagten, eindrucksvollen Silhouetten und seinem NYFW-Debüt.
  Bild kann Mensch und Person enthalten Mit freundlicher Genehmigung von David Gannon

Terrence Zhou betrachtet seine Kleidung als Poesie. Unter dem Spitznamen Bad Binch TONGTONG , der in Wuhan geborene, in New York lebende Künstler und Modedesigner, ist bekannt für seine ausgefallenen Silhouetten wie Meerjungfrauenschwänze und Tintenfischröcke, die in den sozialen Medien häufig viral werden. Seit der Einführung der Marke im Jahr 2020 haben Prominente darunter Rina Sawayama , Olivia Rodrigo, Camila Cabello, Halsey und Christina Aguilera haben seine Entwürfe für Anlässe wie getragen Samstagabend live Promo und in mehreren internationalen Versionen von Mode . Aber für Zhou geht es nicht um Bloßstellung, sagt er. Sein Hauptziel ist es einfach, Emotionen hervorzurufen, eine Geschichte oder ein Gefühl zu vermitteln.



Dieses Ethos zeigte sich bei Zhous Debüt auf der New York Fashion Week am Freitag für die Frühjahr/Sommer-Saison 2023. Zhou betonte Form über Funktion und Ausdruck über Kommerz mit Looks, die einen grünen Fleece-Umhang mit Zebradruck in Form eines Schmetterlings und eine Jacquard-Iteration seines Meerjungfrauenschwanzes enthielten. Noch mehr tragbare Artikel, die in den Mix geworfen werden, wie sein beliebter Reifkleider Sie fühlte sich romantisch.

Bevor sie Modedesign studierte, absolvierte Zhou einen B.S. Abschluss in Mathematik und Ingenieurwissenschaften – sowohl prozedurale als auch empirische Studien, die seine Arbeit teilweise noch beeinflussen. So beinhaltete die Show Momente wie zwei angebundene Models in kugelförmigen Kleidern, die sich wie Planeten umkreisen, sich aber nie berühren, und ein Finale, in dem die gesamte Besetzung durch einen gespannten Stoffschlauch kriechen sah, wie ein Wurmloch, das Raum und Zeit krümmt.



Da Bewegung im Mittelpunkt der Show stand, arbeitete Zhou mit Stefanie Nelson zusammen, der künstlerischen Leiterin der gleichnamigen Tanzgruppe, die jedes Kleidungsstück zum Leben erweckte. Tänzer tauchten aus einer massiven, vergrößerten Nachbildung von Zhous Kopf auf, bewegten sich dann als Spinnen, Tintenfische, Tausendfüßler und Meerjungfrauen verkleidet durch den Raum – und tauchten dabei in den Charakter jeder Kreatur ein, die sie verkörperten – und verliehen der „spirituell autobiografischen Aufführung, “, wie die Pressemitteilung erklärt. „Silhouetten sind lediglich eine physische Transformation seiner präsentesten Emotionen. Wenn sich Formen verbinden, drücken, abstoßen und transzendieren, kommunizieren sie die Erfahrungen, die ihn zu diesem Moment geführt haben.“



Wir haben mit Bad Bing TONGTONG über das Brechen von Regeln, die Romantik der Mathematik und das Streben nach einer integrativeren Version von Schönheit gesprochen.

Mit freundlicher Genehmigung von David Gannon

Hallo Terence! Herzlichen Glückwunsch zu Ihrer ersten Runway-Show. Beginnen wir am Anfang. Wie sind Sie zu diesem Punkt gekommen?



Ich bin mit 17 in die Vereinigten Staaten gekommen, um ein Mathematikstudium mit ingenieurwissenschaftlicher Ausrichtung zu absolvieren. Dann, nach meinem zweiten Studienjahr, entschied ich mich für Kunst und Design zu Parsons zu wechseln. Obwohl viele Leute denken, dass sie völlig verschieden sind, denke ich, dass Kunst und Mathematik viele Ähnlichkeiten haben. Ich liebe beide Fächer, und ich finde, dass beide sehr romantisch sind, daher war es für mich einfach, beide Fächer zu kanalisieren und beide Erfahrungen zu nutzen, um Designdisziplinen zu verwalten.

Was hat dich motiviert, endlich eine Show während der Fashion Week zu machen?

Wir haben uns in letzter Minute dafür entschieden. Ich habe überlegt, ob ich eine haben sollte, weil ich bereits viele ähnliche Leute habe, die meine Arbeit in den sozialen Medien anerkennen, und eine robuste Community aufgebaut habe. Aber dann dachte ich, dass meine Show etwas sein könnte, was die Leute während der Fashion Week noch nie erlebt haben, wenn sie sehen, wie sich die Kleidungsstücke bewegen, besonders bei Tänzern.

Während ich die Show sah, ging ich durch eine Achterbahn der Gefühle: Melancholie, Gefühle, Isolation, Einsamkeit und Freude. Wollten Sie das dem Publikum mitteilen?

Die Verbindung zum Publikum ist eines der Hauptthemen für mein Design, das mich durch meine Prozesse geführt hat. Und als die Leute die Show sahen, gingen sie durch verschiedene Ebenen von Emotionen, weil ich den Leuten eine Plattform biete, auf der sie sich fühlen können, anstatt dass ich durchsetze, wie sie sich fühlen sollten. Ich denke an das Schaffen meiner Stücke wie das Schaffen von Gedichten, was ich eine nicht-rationale Sprache nenne. Stellen Sie sich die Sprache als einen Baum vor. Ein rationales Sprachsystem fragt, wie viele Blätter auf dem Ast sind, aber dann fragt die nicht-rationale Sprache danach, was sich über dem Baum befindet – etwas, das man nicht berühren kann. Wenn ich versuche zu beschreiben, was meine Entwürfe sind, lässt das Gefühl nach. Wenn Menschen etwas fühlen können, ist das mächtiger, als wenn ich etwas erkläre. Offensichtlich sind die Objekte sehr selbsterklärend, wie Tintenfische und Spinnen, aber was ich ausdrücken möchte, sind die Feinheiten. Wenn die Leute die Show verlassen, fühlen sie, was sie fühlen, wenn sie vertraute Formen sehen. Es ist genau das, was ich in den Shownotes beschrieben habe: „Just Feel it!“ Ich und das Publikum begegnen uns in der Show auf dem Mittelweg. Diesen Moment erschaffen wir gemeinsam.



Mit freundlicher Genehmigung von David Gannon

Mit freundlicher Genehmigung von David Gannon

Ich fühlte sofort diese Schichten an der Spitze der Show, als die Meerjungfrau begann, aus der lebensgroßen Explosion Ihres Kopfes zu kriechen. Worum ging es?

Ein großes Thema in all meinen Arbeiten ist das Verlernen. Als wir zum Beispiel übten, ermutigte ich die Tänzer, tatsächlich zu vergessen, dass sie Menschen sind, und sich selbst als einen echten Käfer zu betrachten, der von Lichtern angezogen wird, oder als eine Meerjungfrau, die zum ersten Mal ihren Schwanz abnimmt und versucht, das Laufen zu lernen. Wenn die Meerjungfrau anfängt, wie ein Mensch in einer Gruppe zu gehen, zu tanzen und zu interagieren, repräsentiert sie meine Gefühle als Designer, dass etwas, das für mich authentisch ist, von der Mehrheit oder der Branche möglicherweise nicht anerkannt wird.

Und ein großer Teil der Modebranche ist besorgt über Verkauf und Tragbarkeit. Sind Sie?

Mode als Business und Mode als Storytelling-Format sind völlig unterschiedlich. Bei einer Show sollte es um das Geschichtenerzählen gehen und nicht unbedingt um den Verkauf, der seine eigenen Kanäle haben könnte, wie z. B. Käufer, die die Kleidung im wirklichen Leben separat sehen, um zu entscheiden, was sie kaufen möchten. Wenn Designer nur eine Show veranstalten, um Kleidung zu verkaufen, fühlt sich das eher so an, als würde man dem Publikum etwas wegnehmen. Ich habe das Gefühl, dass ich dem Publikum eher gebe als nehme. Ich möchte, dass die Leute einen emotionalen Imbiss haben, wenn sie meine Show sehen. Ich möchte, dass sie an diesen Moment denken und ihn in ihrem Herzen leben. Wenn ich eine Show mache, hat das eine Bedeutung.

Mit freundlicher Genehmigung von David Gannon

Können Sie die gleiche Bedeutung beispielsweise in einem Instagram-Post vermitteln, der viral wird?

Ich poste authentische Bilder in meinem Studio und in meinem Zimmer, um zu zeigen, was mein Leben eigentlich ist. Mein Instagram ist nicht so seriös wie andere Modemarken, die versuchen, perfekte Bilder zu posten. Es ist lässig: wie mein Studio aussieht, das manchmal sehr chaotisch ist, und ich als Person. Viral zu werden ist nie mein Ziel oder meine Absicht. Es ist nur ein Nebenprodukt guter Arbeit, die ich zuerst erschaffen möchte. Am Ende des Tages hoffe ich, dass die Leute meine Arbeit und Vision erkennen und davon in irgendeiner Weise berührt sind. Das ist viel wichtiger, als viral zu werden.

Was in der Show war etwas, das wir noch nicht in den sozialen Medien gesehen haben?

Die Show handelte von meiner Arbeit. Normalerweise arbeite ich so, dass ich etwas mache und dann Stück für Stück auf meinen sozialen Medien veröffentliche. Ich veröffentliche kaum Saison für Saison. Diese Stücke bauen tatsächlich auf meiner früheren Arbeit auf. Ich denke nie, dass ein gutes Kunstwerk oder Werk ein Einzelstück ist. Sie haben eine Reise, und es gibt einen Prozess. Ich habe zum Beispiel dieses Oktopus-Kleid früh machen lassen, und das Meerjungfrauen-Märchen war auf einem Mode Startseite. Dann fing ich an, auf diesen Formen aufzubauen und andere Optionen für die Show zu erkunden.

Bei all den Formen, die Sie erstellen, kann ich nicht anders, als über Geometrie nachzudenken. Hat Ihr mathematischer Hintergrund Ihre Arbeitsweise beeinflusst?

Viele Leute sagen, dass Mathe nur Zahlen sind, aber eigentlich ist es romantisch. Erst als ich tatsächlich ein Außenseiter der Mathematik wurde, begann ich das zu schätzen. So als müsste man Manhattan verlassen, um zu sehen, wie schön die Skyline von Manhattan ist. Ich würde nicht sagen, dass ich beim Entwerfen ständig über Gleichungen nachdenke, aber das Studium der Mathematik hat mir erfolgreich die Grundlage dafür gelegt, die Welt und zwischenmenschliche Beziehungen zu verstehen.

Mit freundlicher Genehmigung von David Gannon

Mit freundlicher Genehmigung von David Gannon

Es gab einen Moment, in dem zwei Tänzerinnen in bauchigen Gewändern durch ein Stück Stoff verbunden waren und sich langsam umkreisten, aber nie den Blickkontakt abbrachen und sich nie berührten.

Ich habe mich schon immer von der Umkehrfunktion inspirieren lassen: Y ist gleich eins über X. Ich denke, das ist die romantischste Funktion aller Zeiten, weil sich die Kurve, die sie macht, in einem Diagramm immer der X- und Y-Achse nähert, aber sie berühren sich nie. Ich bin immer wieder fasziniert vom Raum zwischen Menschen – nie berührend, aber immer näher kommend. Mit menschlicher Sprache ist es schwer, diese Art von Extremität zu beschreiben.

Wie Sie bereits erwähnt haben, war ein wichtiger Grund für die Veranstaltung einer IRL-Show, dass wir sehen können, wie sich Ihre Kleidungsstücke bewegen. Erzählen Sie mir von der Zusammenarbeit mit der Choreografin Stefanie.

Ich wollte nicht, dass Models einfach mit einem toten Gesicht über den Laufsteg laufen. Stefanie und ich wollten schon immer zusammenarbeiten und haben auf die richtige Gelegenheit gewartet, nämlich auf diese Show. Die Zusammenarbeit mit ihr war magisch, denn obwohl sie einen völlig anderen Hintergrund hat als ich, dachten wir über die gleichen Referenzen nach. Als sie mein Design von zwei sich gegenüberstehenden Oktopussen sah, während sie die Bewegung dirigierte, dachte sie an Marina Abramovic, die eigentlich meine Inspiration für das Stück war – die Spannung darin Ruheenergie , wo sie und Ulay den Pfeil ziehen. Sie interpretierte auch die Tänzer, die aus meinem aufblasbaren Gesicht herauskamen und meine Stücke trugen, als ich die Transformation von einem Kind zu dem erlebe, der ich jetzt bin. Also haben wir tatsächlich das Kind meines Freundes eingeladen, Teil der Show zu sein, um mein jüngeres Ich zu spielen. Es gab viele solcher Momente, als ich mit ihr für die Show zusammengearbeitet habe. Wir haben wirklich ehrliche Gespräche geführt, wenn uns etwas gefallen hat und wenn uns etwas nicht gefallen hat.

Mit freundlicher Genehmigung von David Gannon

Es war schön zu sehen, wie sich auch alle verschiedenen Arten von Menschen und Körpern in Ihren Stücken bewegen.

Ich möchte, dass die Leute wissen, dass Mode uns stärken und nicht einschränken sollte. Warum sollte ich jemals wollen, dass meine Models einen Körper haben, den nur ein winziger Prozentsatz der Bevölkerung erreichen kann? Das ist nicht authentisch, und Authentizität ist mir sehr wichtig. Die Besetzung repräsentiert echte Menschen, unterschiedliche Körperformen, unterschiedliche Größen, unterschiedliche Altersgruppen und unterschiedliche Fähigkeiten. Sie sind meine Freunde und sie sind meine Familie. Sie repräsentieren uns .