Wie queere Künstler die Fluidität der Identität überdenken

Mische die Karten. Männlich? Feminin? Es hängt alles von der Situation ab. Neutrum ist das einzige Geschlecht, das immer zu mir passt, schrieb der radikale jüdische Künstler und Antifaschist Claude Cahun . Obwohl sich dieses fließende Verständnis von Geschlecht durchaus zeitgemäß anfühlt, wurde es vor 88 Jahren in Cahuns surrealistischer Autobiografie niedergeschrieben Geständnisse ungültig .

Wie ihre immer noch aktuelle Aussage sind Cahun und ihr Partner/künstlerischer Mitarbeiter Marcel Moore wichtige Wegbereiter für Künstler, die Geschlechterbinaritäten ablehnen. Dieser anhaltende Einfluss wird in untersucht Zeigen Sie mir, wie ich gesehen werden möchte , eine neue Ausstellung in San Francisco Das Zeitgenössische Jüdische Museum Eröffnung am 7. Februar. Kuratiert von der stellvertretenden Kuratorin des Museums, Natasha Matteson, verbindet die Ausstellung diese historischen Persönlichkeiten mit der Arbeit von zehn zeitgenössischen Künstlern. Während der Surrealist Marcel Duchamp zur gleichen Zeit eine weibliche Person als Rrose Sélavy anzog, erschütterten Cahun und Moore in ihren Fotografien und Fotomontagen gemeinsam die Vorstellung stabiler Geschlechterrollen. Auf einem Foto ist Cahun ein herzgeschmückter, androgyner Bodybuilder, der aussieht, als würde er in einem Kabarett statt in einem Fitnessstudio trainieren; in einem anderen sind sie das Bild von Butch-Männlichkeit, mit kurz geschorenem Haar und hochgestelltem Jackenkragen. Indem Cahun und Moore in ihren Fotografien eine Reihe von Identitäten bewohnten, stellten sie die Möglichkeit zahlreicher Selbst dar.

Die Ausstellung stellt die Arbeit von Cahun und Moore der Vielfalt der Techniken gegenüber, die von heutigen Künstlern zur Erforschung von Identität eingesetzt werden. Die ausgestellten Stücke reichen von Zanele Muholi und Toyin Ojih Odutola 's mehrere Selbstporträts zu Der junge Joon Kwak und Isabel Yellins amorphe Körperformen zu Gabi Rosenberg 's teilweise abstrakte Gemälde. Insbesondere Unlesbarkeit und Mehrdeutigkeit werden zu Taktiken für Künstler, um statische, sozial auferlegte Identitäten abzulehnen, wodurch das Potenzial für ein breites Spektrum an Sein geschaffen wird.

Ihnen. sprach mit der Kuratorin Natasha Matteson über die Inspiration hinter der Show, die Macht der Unleserlichkeit und wie die Arbeit von Cahun und Moore die heutigen LGBTQ+-Zuschauer anspricht.

Click here

117 mm x 89 mm (gesamt)Claude Cahun (Lucy Schwob) und Marcel Moore (Suzanne Malherbe), Ohne Titel [Ich bin im Training, küss mich nicht], 1927. Silbergelatineabzug. Jersey-Erbe

Was anfangs inspirierte Zeigen Sie mir, wie ich gesehen werden möchte?

Als ich herausfand, dass Claude Cahun Jude war, interessierte ich mich sehr dafür, eine Ausstellung rund um die Arbeit von Cahun und Moore für das Contemporary Jewish Museum zu schaffen. Ich wollte herausfinden, warum sich das Werk so unheimlich zeitgenössisch anfühlt, weil es eine Menge Resonanz mit einigen der aufregendsten zeitgenössischen Kunstwerke von heute hatte. Ich war auch neugierig, was an dieser Proklamation des Selbst jüdisch sein könnte, und identifizierte den Archetyp von Königin Esthers Geschichte, in der sie ihre jüdische Identität offenbart, um ihr Volk zu retten. In ihrem Aufsatz Erkenntnistheorie des Schranks, Die Queer-Theoretikerin Eve Kosofsky Sedgwick formuliert den Begriff „Bekenntnis“ sowohl in Bezug auf Esthers Offenbarung ihrer jüdischen Identität als auch auf ihr Coming-out. Da Cahuns bekanntestes Schriftenbuch ins Englische übersetzt wird als Ablehnungen, das löste sofort eine verbindung aus. Cahun und Moore, zusammen mit den zeitgenössischen Künstlern, die ich im Sinn hatte, machten sich das Selbst zu eigen und erklärten es, indem sie seine Beständigkeit verleugneten.

Während einige der Arbeiten in direktem Zusammenhang mit der Fotografie von Cahun und Moore zu stehen scheinen, wie die Selbstporträts von Zanele Muholi, überraschten mich andere Aufnahmen wegen ihrer stilistischen Bandbreite, wie die Gemälde von Nicole Eisenman, die sich weniger auf ihre eigene Identität zu konzentrieren scheinen. Wie sind Sie bei der Auswahl der zehn zeitgenössischen Künstler in der Ausstellung vorgegangen?

Alle Künstlerinnen und Künstler der Ausstellung machen Arbeiten, die sich mit komplexen Selbstdarstellungen befassen, einschließlich Porträts, die nicht erklärend, sondern eher verschleiert, widersprüchlich und nuanciert sind. Diese zeitgenössischen Künstler*innen setzen sich mit dem aktuellen Repräsentationsdiskurs auseinander, wie den Grenzen der Konstruktion des Selbst im virtuellen Raum, der Problematik der kulturellen Sichtbarkeit und der Suche nach Handlungsmöglichkeiten bei der Repräsentation unterrepräsentierter Identitäten. Ich wollte eine Vielzahl von Möglichkeiten einbeziehen, mit der Darstellung umzugehen, um sie mit Tiefe wiederzugeben und die üblichen Erzählungen zu verkomplizieren.

Eisenman hat tatsächlich ein Selbstporträt in der Ausstellung, aber sie stellt sich verschmitzt von hinten dar und verschweigt dem Betrachter fast alle ihre Erkennungsmerkmale. Das Gemälde Fern stellt einen Video-Chat zwischen ihr und ihrer Freundin dar und entwickelt die Vorstellung des Selbst in Bezug auf – von – einem anderen gesehen zu werden.

Young Joon Kwak, Hermaphroditus's Reveal I, 2017. Fiberglasgewebe, Harz, Gießharz und Goldemail. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Commonwealth and Council. Sammlung von Christopher Yin und John Yoon. Foto: Ruben Diaz.

Viele der enthaltenen Kunstwerke verwenden Unleserlichkeit, wie z Tschabalala Selbst 's collagierte Stoffbilder oder Isabel Yellins Körperskulpturen. In Ihrem Katalogaufsatz behaupten Sie, dass Unleserlichkeit als mächtige Taktik angesehen werden kann. Wie und warum passiert das?

Eine Art, über Unlesbarkeit nachzudenken, ist die Weigerung, in bestehende Kategorien aufgenommen zu werden. Bei Edouard Glissant Für Deckkraft, er schreibt über Transparenz – das Bedürfnis des westlichen Denkens, ein Thema zu verstehen – als ein Bedürfnis, sie zu messen und zu reduzieren. Das Recht auf Differenz hängt mit dem Recht auf Undurchsichtigkeit zusammen. Auch Ariel Goldberg beschäftigt sich mit diesem Thema in Das Entfremdungsprinzip, eine Untersuchung der schnellen Verbreitung des Labels queer art und der Art und Weise, wie Sichtbarkeit durch den Wunsch, Queerness zu konsumieren, angetrieben werden kann. Dieser Konsum geht oft mit einer gewissen Auslöschung oder Verflachung von Queerness einher (die nie von vornherein stabil ist). Die Verweigerung von Labels ist also eine mächtige Taktik. Natürlich hängt die Lesbarkeit eines Kunstwerks von seinem Betrachter ab, und einige Kunstwerke in der Ausstellung sprechen bewusst Dialekt.

Hiwa K balanciert eine verspiegelte Skulptur, während er in seinem Video seine Flucht aus dem irakischen Kurdistan nachzeichnet Vorbild (Blind wie die Muttersprache) , Davina Semo ’s Wandarbeiten mit zerbrochenem Autoglas und sogar die von Young Joon Kwak Singender Spiegel II alle verwenden reflektierende Materialien. Auf welche Weise verwenden Künstler reflektierende Materialien, um Identität anzusprechen?

Der Spiegel ist ein oft verwendetes Symbol der Selbstwahrnehmung, das die Künstlerinnen und Künstler der Ausstellung auf vielfältige Weise geschickt nutzen. In manchen Kunstwerken sehen sich die Sujets selbst, und ihre Selbstwahrnehmung und Selbstbestimmung stehen über dem Vergnügen und Verständnis des Betrachters.

In Geständnisse ungültig, der als antirealistische, surreale Autobiografie bezeichnet wurde, reklamiert Cahun die Qualität des Narzissmus als Tugend, eine ermächtigte Erklärung der Selbstliebe. Das Buch, die Fotomontagen und die Porträts verwenden alle den Spiegel oder Reflexionspool, um diese Praxis der Selbstbeobachtung und die Aufwertung der Selbsterkenntnis zu symbolisieren. Auf einem Foto, das eine direkte Anspielung auf Narziss darstellt, streckt sich eine Gestalt im seichten Wasser aus und blickt verzückt in ihr Spiegelbild.

Eine freistehende Skulptur von Davina Semo, die eigens für diese Ausstellung produziert wurde, betitelt IHRE KRAFT IST SELBST UMWELTGEWORDEN, IST MIT DER UMGEBUNG VERSCHMUNDEN , umfasst eine große gegossene Bronzeglocke und einen mit Wasser gefüllten Vogelbad-Basaltfelsen, in den die Betrachter blicken und flüssige Reflexionen ihrer eigenen Gesichtszüge sehen können. Die Glocke kann geläutet werden, was als eine Art nonverbales Bekenntnis fungiert. Die Rückspiegel von Hiwa K, mit denen er durch die Landschaften navigiert, die er durchquert, verweisen auf die Konstruktion des Selbst durch geografische Territorien und veränderliche/migrantische Identität. Bei Zanele Muholi Bona, Charlottesville (Bona bedeutet auf Zulu sehen oder schauen) treffen Muholis Augen auf ihr eigenes Spiegelbild in einem intimen und ermächtigten Akt der Selbstanerkennung, einer Art der Wahrnehmung und Wertschätzung, die unabhängig vom Betrachter funktioniert.

Wie sehen Sie die Arbeit von Cahun und Moore im Einklang mit dem heutigen Verständnis der Fluidität von Identität?

Die Arbeit von Cahun und Moore trifft heute bei vielen Menschen wirklich einen Nerv, egal ob sie selbst fließende Identitäten haben, vielleicht queer oder geschlechtsnichtkonform sind oder einfach ein erlerntes Verständnis der konstruierten und veränderlichen Natur des Selbst haben. Ich denke, wir befinden uns in einem kulturellen Moment, in dem sich der Mainstream langsam einem differenzierteren Verständnis der Fluidität und Vielfalt von Identität öffnet. Ich kann zwar nicht für die Reaktion aller Personen auf die Arbeit sprechen, aber ich weiß, dass es einige geschlechtsnichtkonforme und nicht-binäre Personen gibt, die eine tiefe Resonanz mit einigen der widerspenstigen Geschlechtsdarstellungen in der Arbeit von Cahun und Moore empfinden. Die Arbeit von Cahun und Moore stellt eine unglaublich vorausschauende, radikale Vorstellung von der konstruierten Natur des Selbst dar, und die Arbeit demonstriert Entscheidungsfreiheit bei der Präsentation vieler Selbst. Auch ihr Leben ist eine fesselnde Geschichte, insbesondere ihr mutiger Aktivismus während des Zweiten Weltkriegs. Ich denke auch, dass das Aussehen ihrer Arbeit für viele Leute auffallend zeitgenössisch ist. Und natürlich, Cahun hat kürzlich eine Dior-Kollektion inspiriert .

Wie hoffen Sie, dass die Ausstellung die Besucher motiviert, die Stabilität ihrer eigenen Identität oder die Natur der Identität selbst zu hinterfragen?

Meine Hoffnung ist, dass die Begegnung mit so schönen Kunstwerken und ihren provokativen, destabilisierenden Ansätzen zur Identität die Neugier der Betrachter wecken und sie vielleicht für ein breiteres Verständnis des Selbst und ihrer selbst öffnen wird.

Das Interview wurde aus Gründen der Länge und Klarheit gekürzt und bearbeitet.