Seen: Portrait of a Lady On Fire malt ein umwerfend schönes Porträt weiblicher Sehnsucht

Seen ist eine wöchentliche Kolumne, in der es um die queeren Filme und Fernsehsendungen geht, die Sie sich jetzt ansehen sollten. Lesen Sie hier mehr.



Spoiler voraus für Porträt einer brennenden Dame.

Ungefähr zur Hälfte Porträt einer brennenden Dame , Marianne (Noémie Merlant), eine Malerin, setzt sich ans Klavier, um eines ihrer Lieblingslieder zu spielen; sein Klang, erwähnt sie, sei nicht fröhlich, sondern lebhaft. Während Marianne spielt, sitzt Héloïse (Adèle Haenel), die titelgebende feurige Dame, dicht neben ihr auf einer winzigen Klavierbank und schaut zu, nicht nur von der hohen Energie des Liedes gebannt, sondern auch von Mariannes Fähigkeit, mühelos durch seine häufigen Tonalitäten zu radeln Verschiebungen. Doch anstatt auf Mariannes Hände zu blicken, sieht Héloïse Marianne direkt an, ihr Blick starrt unerschütterlich auf diese Frau, deren Talent keine Grenzen zu kennen scheint.



Die Szene dauert nicht lange, aber sie vermittelt viel in wenigen kurzen Momenten. Obwohl der Film bis zu diesem Zeitpunkt eine aufkeimende romantische Verbindung zwischen diesen beiden Frauen angedeutet hatte, schien dies der erste Moment, in dem sie sich wirklich herauskristallisierte. Da kaum Raum sie voneinander trennt, fühlen sich die beiden unbestreitbar nahe, sowohl körperlich als auch emotional. Marianne, die immer noch spielt, bemerkt kaum, dass Héloïse sie ansieht, aber das Lächeln auf ihrem Gesicht zeigt, dass das Gefühl auf Gegenseitigkeit beruht.



Porträt einer brennenden Dame , das diesen Freitag in ausgewählten Kinos anläuft, ist sowohl eine Romanze als auch eine Aussage über die Grenzen weiblicher Unabhängigkeit. Der französische Film unter der Regie von Céline Sciamma, der Ende des 18. Jahrhunderts spielt, beginnt damit, dass Héloïses Mutter (Valeria Golino), eine wohlhabende Gräfin, Marianne anheuert, um ein Porträt ihrer Tochter zu malen – aber nicht, um in ihrem weitläufigen Haus aufzuhängen eine abgelegene französische Insel. Vielmehr wird es an einen Mailänder Herrn geschickt, um sein Interesse an einer Heirat mit ihr abzuschätzen. Obwohl der Film von der transformativen Kraft der Kunst begeistert ist, kritisiert er gleichermaßen ihre untrennbaren Verbindungen zu patriarchalischen Strukturen. Oberflächlich betrachtet sollte ein von einer Frau gemaltes Porträt, das eine Frau als Subjekt in den Mittelpunkt stellt, von Natur aus feministisch sein, aber nicht, wenn es nur dazu dient, das männliche Verlangen zu stillen. Wie die Mutter erklärt, wenn dem Verehrer gefällt, was er auf dem Gemälde sieht, werden sie und Héloïse sofort nach Italien reisen, wo Héloïse verheiratet wird.

Pyramidenfilme

Das einzige Problem ist, dass Héloïse nicht daran interessiert ist zu heiraten. Sie ist sogar so entschieden dagegen, dass sie sich sogar weigert, sich für ein Porträt hinzusetzen. Um den Widerstand ihrer Tochter zu umgehen, bittet die Gräfin Marianne, als Begleiterin für Héloïse zu posieren, sie auf Spaziergängen zu begleiten, während sie heimlich ihre Gesichtszüge studiert, um sie später auf der Leinwand nachzubilden. Es ist eine etwas eigenartige Bitte, aber es hilft auch, die zentrale Romantik des Films zu entfachen.



Vor Héloïse war es ihre Schwester, die den Mailänder Verehrer heiraten sollte. Aber nachdem sie unter mysteriösen Umständen gestorben war, verließ ihre Schwester [Héloïse] schließlich ihr Schicksal. Dass ihr Tod stark als Selbstmord angedeutet wird (sie ist entweder gestürzt oder von einer Klippe gesprungen), verschärft diese Entscheidung nur noch; Es wird angedeutet, dass die Schwester auch gegen die Ehe war und bereit war, ihr Leben zu opfern, um dies zu vermeiden. Mit dieser Hintergrundgeschichte schwebt ein Unterton der Flucht durch den Film – ein brennender Wunsch, frei und unabhängig zu leben. Als Héloïse und Marianne ihren ersten Spaziergang unternehmen, rennt Héloïse deshalb los und rennt auf eine Klippe zu, bevor sie am Rand abrupt stehen bleibt. Davon träume ich seit Jahren, erzählt sie Marianne. Absterben? fragt Marianne. Läuft, Héloïse kontert.

Im weiteren Verlauf des Films kommen sich die beiden Frauen immer näher. Marianne erklärt schließlich, dass sie Héloïse gemalt hat, und aufgrund ihrer Verbindung erklärt sich Héloïse bereit, für Mariannes Porträt zu sitzen. Mitten im Film bricht Héloïses Mutter zu einer Reise auf und lässt die beiden mit ihrer heimlich schwangeren Zofe Sophie ( Luàna Bajrami ). Die Szenen zwischen diesen dreien gehören zu den spannendsten des Films – ein nächtlicher Gesang am Strand entwickelt sich zu etwas bezaubernd Surrealem; Ein lockeres Gespräch über die Geschichte von Orpheus und Eurydike wird schnell zu einer lebhaften Debatte über den Wert von Liebe, Versuchung und Tod – aber letztendlich sind es die Momente zwischen Marianne und Héloïse, die das Rückgrat der Geschichte bilden. Ihre Beziehung heizt sich in Abwesenheit von Héloïses Mutter schnell auf, was es umso herzzerreißender macht, als sie akzeptieren müssen, dass ihr Rendezvous ein Ablaufdatum hat. In einer grausamen Wendung des Schicksals wird dieses Datum durch die Fertigstellung von Héloïses Porträt markiert; Das Kunstwerk bringt sie zusammen, aber am Ende ist es auch das, was sie auseinander reißt. Wie Marianne sagt, als sie Héloïse das fertige Produkt zeigt, würde ich dieses auch gerne zerstören. Dadurch gebe ich dich an einen anderen weiter.

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Natürlich ist es ziemlich alltäglich, dass queere Liebesgeschichten von Anfang an zum Scheitern verurteilt sind, insbesondere in historischen Stücken. Aber in Sciammas Händen, Porträt fühlt sich an wie etwas ganz Neues. So wenige Filme haben es geschafft, weibliche Sehnsucht als etwas zu präsentieren, das gleichermaßen ermächtigend und einschränkend sein kann. Und es ist dieses Element, das es ermöglicht Porträt in seiner Verwüstung eine inhärente Schönheit zu finden; Nur weil Sie das Ziel der Geschichte kennen, heißt das nicht, dass Sie die Reise dorthin nicht trotzdem genießen können.



Es ist auch optisch faszinierend; Es zu sehen, fühlt sich an, als würde man sehen, wie ein Gemälde zum Leben erwacht. Es ist ein Beweis für Claire Mathons atemberaubende Kinematographie, dass hell erleuchtete Strandszenen (wo das Meer besonders blau und der Sand besonders weiß ist) genauso prächtig aussehen wie schwach beleuchtete Szenen in Héloïses Haus (wo die Rot- und Orangetöne wie eine Flamme knallen). Knistern im Kamin). Seine Sexszenen sind zärtlich und sinnlich, ohne anzüglich zu wirken, selbst wenn die Kamera auf den verbindenden Speichel zoomt, während Marianne und Héloïse einen leidenschaftlichen Kuss teilen. Es teilt einen intimen visuellen Sinn mit Sciammas früheren Werken – denen von 2007 Wasserlilien , 2011 Lesbisch , und 2014 Mädchenzeit – während ich mich irgendwie größer fühle.

Als Film über eine kurzlebige, aber lebensbejahende Romanze zwischen zwei gleichgeschlechtlichen Porträt einer brennenden Dame wurde überraschenderweise verglichen mit Rufen Sie mich bei Ihrem Namen an mehr als einmal . Die beiden haben einiges gemeinsam (einschließlich einer Romantisierung Italiens), aber nicht mehr als ihre ähnlich verheerenden Schlussszenen. Wie vierminütige Single-Shot-Sequenz von Elio, der vor einem Kamin weint, der sich schließt Rufen Sie mich bei Ihrem Namen an , Porträt schließt auch mit einer düsteren Note. Jahre nach ihrer stürmischen Romanze landen Héloïse (jetzt vermutlich mit einem Mann verheiratet) und Marianne in derselben Oper. Während Héloïse ihren Platz auf der anderen Seite des Raums einnimmt, entdeckt Marianne sie und kann ihre Augen nicht von ihr abwenden. Während Marianne starrt, nimmt die Kamera die Perspektive ihres Blicks ein. Langsam zoomen wir näher und näher an Héloïse heran, während sie die Inszenierung auf der Bühne beobachtet. Ihr Gesichtsausdruck wechselt von Erstaunen zu Herzschmerz, während Tränen allmählich in ihre Augen steigen und dann langsam beginnen, ihre Wange hinunterzulaufen.

Es ist eine erstaunlich schöne Szene, und beim zweiten Ansehen konnte ich nicht umhin, an eine meiner Lieblingszeilen aus dem Film zu denken, als Marianne zu Héloïse sagt: Deine Anwesenheit besteht aus flüchtigen Momenten, denen es vielleicht an Wahrheit fehlt. Obwohl Mariannes Aussage sicherlich wahr klingen mag, ist es in Momenten wie diesem, die überall in der 130-minütigen Laufzeit des Films verstreut sind, offensichtlich, dass es manchmal die flüchtigen Momente unseres Lebens sind, die die größte Wahrheit von allen bergen.



„Portrait of a Lady on Fire“ startet morgen in ausgewählten Kinos.